Emiliano Zapata: De cómo la idea del héroe nacional nos habita y perpetúa su imagen.

Como figura de culto, Emiliano Zapata Salazar (1879-1919) habita amplios círculos de lo público y rescinde su contrato como figura histórica. A Zapata se lo han tragado un sinfín de discursos y de esto dan cuenta no sólo los homenajes orales que se le han venido haciendo a partir de su trágica muerte, sino los miles de imágenes que reproducen su efigie y figura en todo el mundo, en todo tipo de soportes, desde los murales pintados por Diego Rivera hasta los graffittis chiapanecos; desde las camisetas que se venden como pan caliente, hasta los emails que lo reproducen ataviado como boxeador; desde la pintura morelense de caballete, hasta el diseño gráfico de las revistas que lo colorean y recomponen.
Con ello quiero decir que el héroe ya no nacional, sino mundialmente alabado, viene a representar para cada mirada un significante que no dejará, en última instancia de recordar lo propio, lo que se anhela, lo que se espera de la figura idealizada, de la figura que podría lograr que se cumpla el orden establecido, la ley. Viendo la diversidad de la imagen zapatista, nos sentimos orgullosos mexicanos, conseguimos dignificar la pobreza --el neozapatismo es acaso el movimiento civil que más ha honrado al indígena desprotegido pidiendo un arte que lo represente en su territorio-- y le damos sentido a una historia nacional, poblada de héroes a estas fechas medio despeinados.
…
Se sabe y se repite, pero sobre todo se ve y se copia
Hace unos meses salió a la luz un libro titulado “Zapata en Morelos” (Planeta-Lunwerg) en el cual me fue dado participar como coautora. El mismo, ilustrado estupendamente por el fotógrafo Adalberto Ríos Szalay, abre con un refrescante capítulo escrito por el Dr. Salvador Rueda Smithers en el que se narran algunos hechos revolucionarios partiendo de las entrevistas realizadas por él a algunos veteranos zapatistas, hace casi 30 años.
Por mi parte y como historiadora del arte, de lo que me he venido encargando de tiempo atrás, es de la imagen gráfica, visible del caudillo. Para ello he echado mano, entre otras herramientas, de la semiología de la imagen: me ha interesado destacar la incidencia del héroe en nuestras vidas posmodernas.
¿Por qué se le representa en todo tipo de objetos?, ¿por qué se banaliza?, ¿por qué se idolatra?, ¿cómo se fue convirtiendo en figura icónica?, ¿qué nos dicen los monumentos de bronce? ¿Cómo pasó de la historia del arte al ámbito de la comunicación de masas?, son algunas de las preguntas que intenté resolver en dicho texto; un texto que para estas fechas ha dado origen a otro más abundante, un ejemplar hoy en busca de editorial. Cuento con cientos de imágenes.
Pero mientras llega el caso de dar a la luz los asombros a los que me ha llevado el descubrimiento de un Zapata multiforme --y sin embargo el mismo de siempre--, me gustaría compartir con ustedes, los lectores de este diario, algunas ideas. Acaso las mismas respondan en parte a una gran interrogante: ¿cómo interpretamos la historia de nuestro país los mexicanos?

El Zapata que habita el mundo del arte
La evidencia es contundente: algo hay en la figura de este personaje que genera una vida icónica que rebasa las diversas intenciones del homenaje propias del personaje histórico. No se trata sólo de esculturas públicas y fotografías reproducidas en libros de texto, o colgadas de las oficinas de gobierno, se trata del secuestro de una imagen por parte del público que busca convertirla en un nuevo mensaje, asociado, generalmente con la resistencia civil.
Lo que he venido proponiendo es una lectura de la imagen a la luz del contexto marcado por el mito surgido hace casi cien años. No es que no me interesen la biografía del revolucionario, el problema agrario o las apologías del zapatismo. Es que me maravilla la capacidad del artista visual que ha reinterpretado cada una de estas instancias a la medida de sus necesidades. Me deja con la boca abierta, la creación pictórica de un Zapata idealizado por Diego Rivera en una de las máximas obras del cubismo hecho en París, me emociona verlo transformado por el muralista, en el indígena más puro que se pronuncia en contra del conquistador español y del norteamericano que interfiere en la política mexicana, de los años treinta del siglo pasado (Mural del Palacio de Cortés). Me imagino la sonrisa de Rivera al haber convertido el entierro zapatista en un homenaje a las costumbres prehispánicas y a la propia Revolución Mexicana al pintar el maíz floreciente sobre los cadáveres enrollados de Emiliano Zapata y Otilio Montaño (mural en la escuela de Chapingo).
Ya convertido en un símbolo –que nunca será fijo porque la historia, como discurso, está hecha de subjetividades--, a Zapata le es dado habitar un universo completo de pinturas diversas creadas por artistas contemporáneos, entre ellos Arnold Belkin, quien ve al héroe como el motor de la historia. Los “zapatas” del canadiense-mexicano Belkin, reconstruyen por medio de geometrismos, la famosísima imagen atribuida a Hugo Brehme y al mismo tiempo le devuelven el cuerpo al héroe que la sociedad le arrebató; son la reinterpretación del hecho histórico a la luz de lo humano.
La pintura morelense comprende un gran número de obras en las que el nacido en Anenecuilco en 1879, aparece retratado a partir de copias de las escasas fotografías que existen en primeros planos de su figura. Lo interesante es que Zapata, para los creadores locales, constituye una extensión de la identidad local, nacional y acaso personal, tratándose de quien adquiere las obras porque se identifica con los ideales del luchador social.

“San Emiliano Zapata”
Si pensamos que a Zapata lo hemos estado construyendo desde la mente mágica y el ámbito de lo simbólico, entonces nos quedará más claro por qué este fenómeno es en gran medida inexplicable. Dos muestras colectivas recientemente montadas en museos capitalinos y una más añeja, curada para el Palacio de Bellas Artes en la década de los ochenta del siglo XX, dan fe de cómo los héroes nacionales han venido conformando una especie de santuario especial habitado por figuras tan idealizadas como los santos. Sin ánimos de abundar, diré que he visto “zapatas” en altares domésticos con veladoras delante y que Zapata convive en el imaginario popular con Cuauhtémoc. Según el investigador Jaime Cuadriello, por su identificación con el mundo indígena (aunque Zapata haya sido un mestizo vinculado recientemente con otro tipo de valores) al revolucionario se le ha pintado o dibujado siempre vinculado con elementos prehispánicos y agrarios por esa razón.
Recuerdo que un notable historiador del arte, acuñó hace años el concepto “religión de la patria” para explicar la idea de un nacionalismo revolucionario hoy engrandecido, a más no poder, con la figura del héroe que nunca se corrompió: Emiliano Zapata. ¿Reflejará este hecho el anhelo de borrar de la historia la historia de la corrupción humana hoy tan destapada?
La estatuaria y el charro más charro de la historia nacional
Zapata aparece ataviado con traje de charro (media gala y gran gala) en la mayoría de las fotografías que se le tomaron en la época y tal característica compone una imagen única en la historiografía nacional. De ahí, que la estatuaria oficial haya hecho del dominio de estas artes campiranas y de la osadía de Emiliano Zapata, la imagen más perdurable del héroe de bronce. Esto sucede así, porque se sabe que él prefería este atuendo como vestimenta y se esmeraba mucho en su arreglo personal, pero también porque las labores del campesinado adquieren una gran dignidad así representadas y paradójicamente acercan, o funden en el imaginario colectivo, al hombre de campo con el hacendado.
Ya sea en la fotografía atribuida a Hugo Brehme --en la que Zapata porta sable, carabina y cananas-- (copiada por muchos artistas, entre ellos José Guadalupe Posada) o a partir de las reproducciones de las imágenes capturadas por H. J. Gutiérrez o Protasio Salmerón, a Zapata no deja de admirársele por su apostura frente a la cámara. A él le gustaba posar para la lente instalada en el estudio, como se demuestra en varios casos. Es fácil constatar que estas imágenes fueron construidas después de minutos de análisis luminosos y retoques escenográficos. Se trata pues, para el caso de la iconografía nacionalista, de uno de los hombres más engalanados de la historia del país. Zapata fue un tipo guapo, pero también vale decir que lo hicimos guapo entre todos.
Zapata entre políticos
El encargo oficial de la imagen zapatista, por su parte, ha pretendido darle un lugar de honor al héroe a partir de la idea de las nociones de honor y patriotismo. Para ello, la dinámica del hombre a caballo, del hombre que domina la naturaleza, del hombre físicamente poderoso y los momentos antes de la muerte, han sido cosa suficiente. Ningún político en cambio, ha visto en la figura sintetizada o semi-abstracta de un hombre a caballo, la posible condensación del hombre ideal, de aquel que compendia o condensa a todos los otros hombres que a caballo hicieron el México de hoy. Tal era la propuesta de una escultura proyectada por el morelense Víctor Hugo Núñez muy lograda, aunque nunca llevada a cabo por falta de interés de quienes toman las decisiones sobre el aspecto de la ciudad quienes esgrimían la falta de un presupuesto que luego fue gastado en menesteres menos decorosos. Y estoy empleando la palabra en su sentido literal: decoro es aquello que aplica al posible embellecimiento de una ciudad a la que le urgen huellas artísticas, manifestaciones estéticas de alto valor. Dignificación a través de la alta cultura que aquí se da. Ω

Elisa Cano: las Elisas. De cómo el gozo estético nos completa la vida.

Cuando entendemos que ver pintura no sólo implica descifrar objetos, que un enfrentamiento estético perfecto debe llevarnos a aprehender la vida a través de otra subjetividad, que vernos gozar frente a un universo que no es el propio lleva al paraíso, nos convertimos en humanos entrenados en humanidad. Se podría decir en humanos al cuadrado, expandidos.
Quien contempla una imagen creada por un artista, quien llora frente a una película bien realizada, quien canta de emoción acompañando al cantante que le gusta, quien lee y reescribe las frases que lo han conmovido, se está entregando a una vivencia de una estructura psíquica específica, única. Entiéndase: la experiencia estética es pasión, es amor, es una vibración del alma que mueve al cuerpo y la mente al unísono.
Tales reflexiones me surgen frente a la obra de la artista Elisa Cano porque frente a la diversidad de sus temáticas empujadas con un entusiasmo sin fin por la vida, encuentro que lo que me ha conmovido en el tiempo que llevo de conocerla, no son sólo han sido los traviesos naranjas de sus peces sin pecera, lo pulsante de sus abstractos orgánicos, lo dulce de sus famosísimos manzanos en el jardín de los sueños arquetipales, la seriedad de sus gordas desnudas dejándose ver en el Edén. No, lo que me ha gustado de descubrir cada una de sus series pictóricas es la animosidad con la que emprende cada una de sus pinturas-pinturas: me fascina la pulsión que anima la creación del arte por el arte.
El común denominador que encuentro, lo más evidente de su prolífico trabajo tiene que ver con un estado de ánimo típico en ella; se trata del ánimo “elisacaneano” que subyace en su trabajo y le da un sabor especial. A ese universo viajo cuando me invita a ver lo que acaba de hacer para sus ventas de arte: cada nueva serie en la que ha trabajado me ha abierto la puerta de una experiencia sensorial a la que he entrado no por estar entrenada para ello, sino por el gusto de dejarme llevar a un universo que no es el mío. (Su próximo vernisagge se llevará a cabo los días 17 y 18 de noviembre, de 10 a 7 PM en Parras 49, Jardines de Tlaltenango).
Por otro lado, la selección de los asuntos que ha decidido representar la maestra Cano particulariza la noción de estilo. La figura del animal, por ejemplo, es asunto común del arte fantástico contemporáneo (bestiarios), pero ella elabora representaciones de animales íntegros, en primeros planos, que se comportan como tales y que están allí por su belleza y contundencia. Así sucede con los elefantes y los peces, pero también sucede con los manzanos y las gordas, seres que están ya en el imaginario artístico del coleccionista mexicano porque alguien se tomó la molestia de recogerlos y traducirlos al idioma del color y la textura.

Elisa: las Elisas
Nacida en el Distrito Federal, la capricorniana Elisa Cano Larrañaga se presenta como autodidacta, aunque hay que decir que fue alumna del estupendísimo dibujante Héctor Xavier, de quien recuerda vívidamente la lección aprendida en el zoológico: “Aprendíamos frente a las jaulas, a dibujar un animal que se mueve, eso le dio velocidad al ojo, entrenó la capacidad de observación y luego eso a mí me llevó al retrato tipo bosquejo y al retrato psicológico”, dice, quien no ha dejado nunca de mirar el mundo con la lente del arte.
“En México hice muchos retratos y a mis alumnas les hice un día, una serie en un cartón enorme con lápiz conté y aguarrás en sesiones de 30 minutos a cada una”, me dice a bote pronto cuando le pregunto por su modus operandi hablando del aprendizaje técnico, ya no el suyo, no el que habitó al lado de las personalidades que hicieron la leyenda de la Zona Rosa de los años sesenta y setenta, sino el que decodificó para el numeroso alumnado que ha tenido a lo largo de los 33 años que lleva viviendo en Cuernavaca y las clases impartidas en la Ciudad de México, en donde nació su hija Claudia Jurado, quien también compone estupendas sinfonías de colores y texturas.
“Aquella época fue de muchas vivencias; al lado de Juan José Arreola y otros artistas encumbrados, íbamos a las galerías como la Proteo y la Juan Martín. El haber expuesto con Toño Souza me formó porque era un momento en el que México se abría al mundo del arte neoyorquino, es el inicio de Clíment, Vlady, Echeverría, Rayo, Seguí. Yo estaba rigth in the smack of it. No sé si soy de la Ruptura, pero he pintado en el tenor de la libertad que me dio la época. Luego, ya trabajando con Mauricio Achar, quien me pidió que fundara una librería de las suyas en Cuernavaca, viajé a Nueva York y al entrar al MoMA el impacto estético fue enorme. Sentí que me mareaba, que me habitaba la pintura, que mi vida cambiaría. El formato grande que vi en Nueva York me apasionó, me sacó el aire y entonces decidí que eso es lo que quería hacer. Vivo del arte y establecí con el tiempo 12 temáticas. Soy maestra en técnicas, no de pintura. Me ha interesado todo y he visto mucha obra de arte. La base al temple me gusta y la reconozco, con todo y su aceite de linaza. Mi historial es enorme. Lo que no he querido es meterme a un molde. ¿Por qué no pintar un paraíso y un abstracto y seguir siendo yo, la misma Elisa? Se pregunta quien con sumo gozo se deja impactar por la materia de la vida y acepta que la habiten las otras Elisas.
…
Elisa Cano lleva tiempo diseñando esculturas en piedra chiluca, mármol y cantera; le encanta decorar casas y escribe poesía y narración con frecuencia. Lo que busca en estos casos es el asombro del escucha porque es afecta a la paradoja y por ello se comprende que obtenga asimismo la sonrisa cómplice. De ella se reproduce un texto en estas páginas.Ω


RECUADRO:
Pensé en ti
Pensaba en ti
Pienso en ti
Sin embargo, me paro en el mismo lugar
A la misma hora.
Sé que es difícil tratar de…
Bueno, pienso también en el esfuerzo
Es la pasión, sólo la pasión,
Lo que me impele, empuja, estruja
Cuando me paro en el mismo lugar, a la misma hora
ELISA CANO

Reflexiones sobre la iconolatría nacionalista: Zapata y Villa en el Museo de Arte Popular

1.
El 25 de septiembre se inauguró en el Museo de Arte Popular, en la Ciudad de México (Revillagigedo e Independencia, Centro Histórico), una exposición que aborda las complejidades del imaginario colectivo; una muestra que involucra la lectura histórica con la semiología de la imagen porque presenta a las figuras de Emiliano Zapata y Pancho Villa como polisémicas, como parte de una iconolatría cívica exacerbada por los festejos centenarios.
Sabemos que las imágenes de ambos personajes se nutren tanto de la mitología clásica, como de la hagiografía cristiana y hasta de los cómics, pero la muestra va más allá y nos presenta también a los héroes que se convierten en personajes literarios. Sí, Zapata y Villa se han movido de registro, hoy son parte del un complejo diccionario nacionalista que indica por dónde anda la historia de las mentalidades en nuestra época.
La curaduría no se basa en el análisis académico de la Revolución Mexicana y por lo mismo en ciertos momentos sentimos que cojea, por ejemplo al presentarnos a un Villa al que se le atenúa su origen indecoroso para colocado a la altura moral de un Zapata menos corrupto.
Los idearios y propuestas de ambos participantes de la Revolución Mexicana partieron de necesidades diferentes y las circunstancias de sus vidas los llevaron a morir asesinados también por diferentes motivos, no obstante hoy ambos forman parte del panteón de los mártires, de una historia ligth que nos hemos inventado para llenar el “vacío” de figuras ejemplares a las que seguir. Tal es la conclusión a la que llegamos después de ver el enorme conjunto de piezas dedicadas a repetir rostros e imágenes codificadas y anheladas hasta la saciedad, un sumum de todo tipo de objetos, desde camisetas hasta cervezas, desde encendedores hasta joyería.
Siguiendo la idea de los contrastes entre ambos, llama la atención que a Zapata se le haya considerado poco atractivo para el gusto popular en alguna época por ser de “personalidad introspectiva, desconfiado, impenetrable y distante”, cosa que no sucedió con un Pancho Villa que quiso convertirse en actor y logró representarse a sí mismo levantado en armas después de firmar un contrato con una compañía cinematográfica norteamericana. Cosa curiosa, hoy Zapata es el héroe más carismático de la Revolución Mexicana y nos representa allende las fronteras a los mexicanos, mientras que Doroteo Arango (nombre real de Pancho Villa) brilla solo en el norte del país.
2.
La exhibición arranca con la imagen de los dos personajes hermanados en un mural en el que tendenciosamente el creador actualiza el vestuario de los personajes (sandalias de playa, tenis, camisetas deportivas), con el fin de hacer obvia la lectura descontextualizada que el espectador contemporáneo les da a estos ideólogos del levantamiento armado de 1910. Paradójicamente, es desde ahí y desde el texto de sala fincado en un lenguaje sencillo y no en un discurso académico, que la muestra contribuirá a conquistar públicos nuevos para esos espacios llamados museos.
La gran fotografía del Ypiranga, navío en el que partió Porfirio Díaz hacia su destierro para nunca más regresar, apoya la lectura oficial del país que nace a la modernidad cuando el dictador se va. Por su parte, la reproducción de los encabezados de algunos periódicos de la época en los que se anunciaba el fracaso del zapatismo demuestra cómo el discurso de la historia se da con el tiempo, como el periodismo –textos—nutre otros textos, como el periodismo no se traduce literalmente, sino se interpreta posteriormente.

3.
La curaduría no buscó deslindar ciertos términos que me parecen fundamentales a la hora de abordar estos asuntos que tienen que ver con lo que Jorge Alberto Manrique definió hace años como religión de la patria. ¿Cómo se concibe al héroe, qué es un mito, qué es una leyenda? ¿En qué momento se confunden en el imaginario el santo y el héroe perfecto?
Tales cuestiones en cambio las respondieron los investigadores que escribieron los textos del catálogo dedicado a la muestra titulada “El Éxodo Mexicano”, montada en el Museo Nacional de Arte (MUNAL) hace unos meses: “Los héroes son símbolos que cada generación monta sobre los propios sujetos históricos, así como sobre los rasgos característicos de ciertas figuras mitológicas“, afirmaba Jaime Cuadriello en dicho libro, por lo que ambos montajes se convertirán en reflexiones complementarias a la hora de concebir los discursos históricos de la posteridad. Ω

Publicado en La Jornada Morelos Martes 9 de noviembre de 2010 http://www.lajornadamorelos.com/noticias/cultura/92461-reflexiones-sobre-la-iconolatria-nacionalista-zapata-y-villa-en-el-museo-de-arte-popular

El nuevo Zapata es muy viejo- Reflexiones sobre el monumento ecuestre de la Plaza de Armas.

1.
En Cuernavaca y debido a la filiación local del caudillo, a Emiliano Zapata Salazar (1879-1919), se le han rendido varios homenajes escultóricos, pero el conjunto de bronces de la Plaza de Armas de la ciudad, develado en días pasados, destaca por su ineficacia como imagen de culto. El mismo refleja la pobre visión de quienes nos gobiernan con respecto a lo que debe ser la urbe, pero además refleja el anhelo del político que busca inmortalizarse junto a los héroes que no se despeinan. El hecho de que el presidente municipal en turno haya mandado inscribir su nombre en las cabeceras del zócalo dedicado a sostener la figura de Zapata implica un exceso de egolatría.

La pieza responde a los cánones de la estatuaria oficial nacida en la antigüedad clásica, no obstante y a diferencia de otras ubicadas en la República Mexicana, ésta no propone ni ofrece una lectura a la altura del hombre que participó activamente en la reivindicación del campesinado y en la modernización del país. Lo que se ha dicho en los últimos tiempos sobre Zapata en mesas de trabajo, tanto académicas como no académicas, es muy rico en imágenes, por lo que pienso que bien podría el autor de la pieza, el señor Miguel Michel, haber abrevado en significantes más completos que los que ofrece la iconografía tradicional.

Representar el momento en el que el personaje histórico se convierte en un héroe, en un elemento de la religión de la patria que se engrandece por la muerte trágica, implica seguir traduciendo literalmente la historia oficial. La composición de la pieza no ayuda a crear consciencia histórica, más bien propone la repetición de clichés y simbolismos rancios. En pocas palabras, representar a Zapata montando un brioso corcel que bien visto se torna en un jamelgo enclenque con la idea de evocar el dinamismo de la historia grandilocuente no es novedad: es una solución simplista tomada desde un escritorio en el que no se manejan más que dineros y los libros de arte no existen.

Un simple análisis formal de la pieza nos lleva a pensar en más de una desproporción: ya se ha dicho que el pedestal es demasiado grande y que el caballo no sostiene al un jinete que se preciaba del porte de sus animales, pero además, están la falta de cuidado en los detalles por parte del fundidor porque los acabados, en vez de aprovechar las cualidades específicas del bronce y destacar su calidad de fiel reproductor del molde durante la fundición, imitan los de la cantera.

Según Roland Barthes, el imaginario colectivo está estructurado por dos instancias que se interrelacionan: la estructura verbal y la estructura fotográfica. De lo anterior se desprende el hecho de que la información que recibimos de una pieza como la que comentamos reposará en los discursos que se le inscriban y en como lo hemos visto representado desde que el nacionalismo revolucionario lo encumbró como un ideal. De lo anterior se desprende la pregunta crucial para estos tiempos electorales: ¿debemos leer el mensaje denotado --el nombre grabado del político-- como un uso político de la imagen del general más carismático de la historia nacional? ¿debemos ver la pieza como un simple acto electorero chafa?

2.
Me parece que la idea que se ha venido manejando de hace unos días para acá en el medio artístico sobre la resolución formal de la pieza a partir de la idea del fusil, de la copia, del plagio, de la cita o del homenaje a la mejor escultura ecuestre de Zapata en el estado, me refiero a la de Xerxez Díaz Loya en Chinameca, tiene fundamento en la estructura de la inspiración. En primer lugar porque Díaz Loya solucionó así la composición hace más de tres décadas. Al haberse hecho pública su escultura, él conserva los derechos de autor sobre la pieza y hasta el momento no se ha pronunciado como plagiado, lo que se ha dicho entonces, es simple jerigonza.

Los atributos físicos de Zapata, la elegante y delgada figura corporal, los penetrantes ojos obscuros y el bigote pobladísimo, dieron pie a una gran cantidad de retratos que poco a poco derivaron en leitmotiv de la iconografía zapatista. El traje de charro, el sombrero y el rostro así estructurado identifican al caudillo a tal grado que se hace casi imposible deslindar los términos antes señalados. Pero lo que sí debemos destacar es la diferencia de tratamientos técnicos entre ambas piezas, porque si una destaca por sus acabados, la otra, patinada en negro para disimular poros y chorreados recubiertos con cera, opaca no sólo las caras de los personajes sino la figura del héroe.

En fin, que ni los detalles de los pastitos que sostienen al flaco monumento, ni la inclusión de Eufemio Zapata o Genovevo de la O acabados estilo “judas de cartón” o las lonas que rezan “Estamos trabajando para ti” puestas por el gobierno municipal nos levantan la moral a los ciudadanos de esta desprotegida y eternamente edénica ciudad. Ω

Publicado Diario de Morelos 28/10/2010
http://www.diariodemorelos.com/index.php?option=com_content&task=view&id=75916&Itemid=80

Del caos organizado o del orden de lo caótico:

Seleccionadas de entre casi 200 obras, las setenta y siete piezas del Segundo Salón de Arte Visual Contemporáneo expuestas en el Jardín Borda hasta el 21 de noviembre, responden a los criterios establecidos a priori por los miembros del jurado integrado por el editor de gráfica Enrique Cattaneo, la acuarelista Susan Flagerty, el fotógrafo Pericles Lavat y el maestro de medios alternativos de la UAEM, Héctor Ponce de León. Antes de lanzarse a la tan difícil tarea de descalificar a algunos de sus colegas, ellos decidieron tomar en cuenta la resolución técnica, la presentación de la obra y el aspecto conceptual que soporta cada trabajo. Cabe destacar que la novedad, lo que no repite recetas se tornó en un requisito indispensable porque la vocación y el título del salón así lo pedía. “Eliminamos lo malo, lo de siempre y tampoco aceptamos lo decorativo y los efectos vociferantes. Una vez descargado el trabajo más pesado, me refiero a la eliminación primaria, cada quien buscó los 15 o 20 mejores hits de su selección personal y nos dispusimos a defender los trabajos desde la discusión teórica, dejando el gusto personal a un lado” --afirma el también pintor Enrique Cattaneo--, quien añade que: “llama la atención la gran honestidad con la que enfrentaron su quehacer artístico y su condición femenina la mayoría de las mujeres presentes en la muestra.”
El texto de sala reza sobre lo contemporáneo: “El concepto de contemporaneidad se aplica no a un criterio cronológico, sino estético, definido por su ruptura con el academicismo y por su adecuación a renovadas y provocativas teorías del arte: arte deshumanizado, muerte del arte, crisis del objeto artístico o arte independiente.”, lo cual prepara al espectador para un enfrentamiento caótico, para una serie de juicios que habrá que ir razonando con más cautela que la prevista en otro tipo de muestras colectivas, en las que la invitación a transgredir no es tan manifiesta. Lo que se quiere decir aquí, es que si bien lo contemporáneo requiere por su inmediatez y su cualidad efímera una aceptación rápida –vivimos en la era líquida--, también es cierto que con el tiempo otros criterios regularán el trasvase a la Historia y no todo lo novedoso que hoy se nos presenta, subsistirá en la memoria del espectador.
Abundo en esto porque el mundo de la estética ha cambiado y el arte contemporáneo se ha tornado un discurso cada día más dirigido descaradamente a los especialistas enterados de lo que sucede en los congresos sobre pintura contemporánea. ¿A dónde nos lleva tal conclusión? Por lo menos a decir que en Cuernavaca, se está dando la posibilidad de un diálogo con el llamado mainstream, a afirmar que existe una intención palpable de integrarse al gran mundo de los museos internacionales de parte de quienes participan en esta edición del salón, aunque sin perder --porque no se puede--, el sabor de lo propio, y lo propio es la figuración empapada en color y el formato no arriesgado.
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Las técnicas y la forma
En este salón las técnicas y la temática elegidas son diversas, pero destacan el encausto por el “brillo” que lograron imprimirle Christina del Valle y sus alumnas --entre ellas la ganadora Tamara Jung--, a la técnica de la cera caliente y la acuarela por la limpieza con la que se colocó el agua coloreada sobre el soporte. Valga agregar que el monotipo que presenta Victoria Pareja --aunque fuera de concurso porque ella preside este salón—es una delicia de pieza lograda a partir de una placa entintada, a la que lúdica y sutilmente, se le fueron sacando luces para formar una cactácea en primer plano, sobre un horizonte hecho de dulces gradaciones.
La gran revelación del salón se la debemos a Agustín Santoyo, joven morelense egresado del CEMA, quien también expone por estos días en la Galería Pozos de esta ciudad. Cabe destacar del autorretrato pintado con acrílico de gran formato que exhibe, no sólo la referencia literaria que remite a una traducción indirecta de una escena de “Alicia en el País de las Maravillas”, sino el contenido latente, aquello que está pulsionado por la obsesión y que se hace presente en cada una de las piezas de su autoría que he visto últimamente. El afirma que la emergencia de sus figuraciones nace de un interés en lo kitsch y los patrones presentes en las artesanías huicholes, guerrerenses o oaxaqueñas, sin embargo, a mí me hace pensar que incluso los títulos con que bautiza sus series (Bendita ave de mal agüero), remiten a una lectura psicoanalítica más interesante que lo técnico y lo formal. Su obra, él montado en un toro, él vestido como payaso, el de perfil y no de frente, él y mil veces él re-presentado casi como un otro, es, a todas luces, una manifestación de la búsqueda del ser integrado que trasciende la representación convencional del yo egocéntrico.
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Las menciones honoríficas
Recibieron menciones honoríficas Gerardo Hernández Garduño, Rubén Deneb Pérez, José Luis Campos, Carlos Canales y Juan Jacobo Figueroa. La impresión fotográfica en tela de éste último, resulta de interés no sólo por su gran formato, sino porque remite a un altar de muertos en el que el culto a la Santa Muerte, propio de la narcocultura, convive con un budismo ligth basado en la apropiación de una figura sedente, desprovista totalmente de sentido, al lado de un fetiche de plástico.
Estudiante de Artes en la Universidad Autónoma del Estado de Morelos (UAEM), Rubén Deneb presenta una fotografía análoga que aborda lo social a partir de la lobotomización de la que somos víctimas los televidentes. “Televicios” forma parte de un interesante proyecto que fue el único seleccionado en el estado, en la categoría de fotografía, para la sexta edición del Festival Entijuanarte 2010 Frontera Creativa, que se llevó a cabo el 1, 2 y 3 de este mes en Tijuana, B.C.
Carlos Canales (Gompo), pertenece a varias comunidades de fotógrafos en internet y se mantiene al día en técnicas fotográficas, y aunque afirma que aprecia más la foto al natural casi sin alteraciones de programas de postproducción digital, lo cierto es que la fotografía que presenta recuerda los alcances de la pintura abstracta y del diseño gráfico pensado para publicidad.
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El erotismo no explícito de Kenia Cano:
La ganadora del primer lugar de este certamen, la escritora y artista visual Kenia Cano lleva años destacando las posibilidades de un erotismo velado, explorado sin miedo. Se trata del trabajo de una artista madre de familia que vive en una ciudad, ésta, que no se distingue por contar con un grupo de artistas feministas y sin embargo es una urbe que está urgida de trabajos en los que se represente el anhelo de completud de la mujer. Si hubiera que se describir la obra ganadora, diríamos que se trata de la representación reiterada de una figura ojival en negros con rojo mediante la técnica de la acuarela sobre “dollies” de papel. Cada una de las siete piezas enmarcadas en negro incluye poesía y algunos objetos, lo cual hace que las piezas vengan a recordarnos las cajas de Joseph Cornell más que simples acuarelas abstractas. A ella, por tratarse de una artista destacada de tiempo atrás, le dedico un espacio especial en esta mi reseña preparada para el Diario de Morelos con la emoción de quien se topa de vez en cuando con lo bueno que se hace en este estado:
MHN.- ¿Kenia, en pocas palabras diríamos que tu obra aborda lo femenino a través de un discurso que no tiene que ver con la representación del cuerpo desnudo, aunque cuerpo no deja de haber?
Kenia Cano.- “Mis piezas siguen siendo abstracciones lo que presento, aquí se puede leer omo una flama o una mandorla –incluyendo lo sagrado de las mandorlas y las Vírgenes, la madre primera, los mundos primitivos, el paleolítico, las representaciones de las diosas primitivas, etc., pero también aparece la abstracción del cuerpo entero, son al mismo tiempo vaginas y el hecho de que estas vaginas estén sobre una blonda calada, me remite al aspecto de la ofrenda y de lo que se come sobre un mantel. Pueden ser como galletas, está el aspecto nutricio de estas representaciones a la mano.
“La factura de las piezas además tiene que ver con el quehacer femenino. Hay un pedazo de un vestido de seda con flores rosas que era de mi abuela. Decidí cortarlo porque es parte de mi historia, se trata de algo de mis ancestros femeninos. La fotografía de la mujer que puse es un antepasado mío que remite a la línea matriarcal.
“Las 7 piezas las llamo “Umbrales” y son siete porque es un número vinculado a los 7 chacras; esto me lleva a pensar en un proceso de liberación para mí y las mujeres que entiendan desde donde realicé estas piezas. Hay unas con un péndulo, hay otras con semillas en forma de espiral. Casi todas cargan con algo, porque lo simbólico importa. Por ejemplo, la de la llave que sirve para abrir un universo, la de la semilla que abre la fertilidad, el hueso que habla de Tánatos en Eros.
“La oración de la monja Maha Dedikayya que aparece en los Upanishad la reescribí porque tratándose de una mística que no conocía a Dios a través del dogma de fe, sino de la experiencia personal, me pareció importantísimo su discurso y su sentir. Tengo sus poemas en papel de arroz y otros los quiero bordar porque ella, como personaje me interesa mucho.”

Roca constelada
cuando mi otra boca
escucha tus silencios
(Fragmento del poema reescrito por Kenia Cano en una de las siete acuarelas que conforman la pieza ganadora del certamen.)

Publicado en Diario de Morelos 3/11/2010
http://www.diariodemorelos.com/index.php?option=com_content&task=view&id=75007&Itemid=68

“Los placeres de Alma”, un grabado que cuenta una historia de amor

Las siguientes son las declaraciones del artista plástico Alejandro Quijano sobre una de las piezas de su autoría que más me han gustado en los últimos tiempos:
“Hace un par de años realicé una pieza que se llama ´Los placeres de Alma’, con la idea de participar en el homenaje que se le realizó a Freud en la Galería Pedro Gerson, del Centro Deportivo Israelita. Durante la breve investigación que realicé sobre el padre del psicoanálisis, encontré que uno de los casos más difíciles que se le habían presentado en su vida profesional a Freud, había tenido que ver con Alma Mahler, como mujer del famoso músico de nombre Gustav, de quien ella toma el apellido Mahler. Cuenta la anécdota, que Mahler no era un hombre muy expresivo emocionalmente, que ella se sentía sola y que al tener frecuente contacto con diversos artistas y ser una mujer atractiva, se le dio la oportunidad de vivir una relación amorosa con Walter Gropius. Lo interesante del caso es que el marido engañado se fue a enterar de todo por un ´error´ o acto fallido. Resulta que Gropius le envía una carta de amor a ella, pero en lugar de dirigírsela escribiendo ´Sra Mahler´, escribe ´Sr. Mahler’, por lo que el marido la abre y se da cuenta de la infidelidad de la esposa.
“Enfurecido, lleva la misiva a Freud buscando tratamiento; la sesión duró más de 7 horas y se dice que para el psicoanalista esta fue la sesión más cansada de su vida, que quedó agotado.
“A mí, como artista, se me ocurrió plantear la historia de ella y no la representación del triángulo amoroso. Por eso esta pieza se llama los ‘Placeres de Alma´. Se refiere a la maternidad –aunque también sufrió la pérdida de dos hijos--, el amor a las artes y el amor al Gropius que la completó, porque no se enamoró de cualquier instructor del gym o persona insignificante, sino de una persona carismática y talentosa. ´Los placeres de Alma’ se refiere a la capacidad de ella enamorarse, de vivir en un mundo de artistas, de ejercer su sexualidad, de ser artista ella misma, de ser mujer cuando no se podía más que ser madre o esposa. Hay que saber además, que no sólo la cortejó Gropius; otros personajes de la época también voltearon a verla.
“La técnica de la pieza: está realizada en placa de aluminio entintada a rodillo, para buscar altorrelieve a partir de placas metálicas –gofrados—que tienen a su vez pequeños grafismos. En términos reales, la lectura de la pieza debe ser simbólica, porque los pechos no corresponden a la anatomía, el vientre está abultado por su maternidad, la flecha que señala el pubis habla de los placeres del cuerpo. El amor y la censura están indicados por los pechos que son ojos al mismo tiempo. El azul Prusia de su cuerpo da la profundidad a la pieza, pero además lo quise así porque es sedativo. Quise representar la serenidad que le dio a su vida ésta relación. Lo que me interesó no es el hecho de que el marido se sintiera traicionado y ella se sintiera censurada, sino el hecho de que ella buscara la felicidad y la placidez en medio del desánimo. Además, quise decir algo de Freud que no fuera lo cotidiano, ni proviniera de la academia. Yo quería proponer que el psicoanálisis está construido por factores humanos, eso es lo inagotable y lo valioso de esta disciplina. Habla de que el ser humano no puede ser destruido ni abordado con teorías parciales. El psicoanálisis es cuestión terapéutica, pero el factor humano incluye la aventura de la vida y eso es lo importante de la lectura de esta imagen, de este grabado que realicé movido por el asombro.”
…
Alma Marie Schindler (1878-1964) destacó en su Viena natal por su belleza e inteligencia. Hija de pintor, creció en un ambiente privilegiado en materia de alta cultura porque a su casa acudían diversos artistas, entre ellos Gustav Klimt, con quien se sabe tuvo amoríos. La relación con Mahler, quien le llevaba veinte años, no fue fácil para ella porque frecuentemente se veía obligada a dejar sus aficiones personales en aras de ser madre, esposa, copista y lectora de las obras de su esposo. En el verano de 1910, se enamoró del joven arquitecto Walter Gropius, fundador, años después de la Bauhaus. Se sabe que Mahler sufrió mucho por ello y buscó ayuda con Freud. Compuso la Sinfonía número 10 para sublimar esta vivencia y murió meses después. Alma tuvo además un affaire con el pintor Oskar Kokoschka, quien la retrató varias veces. Con Gropius se casó en 1915 y tuvieron una hija que murió de poliomielitis a los 18 años.
Por la persecución nazi, Alma Mahler Gropius Werfel (por su último marido, novelista) viajó a los Estados Unidos y vivió sus últimos días en Nueva York, en donde fue reconocida por su amplia cultura. Llama la atención que depositara en varios pintores (maler en alemán) su amor y que de su obra musical se hable muy poco hoy en día. Ω

Las “cubanidades” del arte cubano

1.
Cuba vive su insularidad amplificada por el régimen totalitario que la aísla del mundo (la población no cuenta con el internet abierto a todos los portales existentes y las librerías surtidas tampoco existen). Doblemente isla, Cuba se inserta de todas maneras en la sintaxis plástica mundial debido a los esfuerzos de algunos creadores que, obligados por el mercado o no, viajeros ocasionales o no, amigos de curadores y críticos informados o no, luchan por dejar huella de la cubanidad posmoderna en la historia plástica del mundo.

Y es que la isla conoce la pobreza y la cerrazón, pero no en el terreno de la creación artística. Es bien sabido que la promoción cultural siempre ha funcionado como arma propagandística a los regímenes totalitarios y en este caso específico, la producción artística se ha tornado en un aparato importante a la hora de querer conquistar simpatías internacionales. Además está el mercado del arte, generador de las tan necesarias divisas, que en alguna medida condiciona la configuración de las obras que se tornan por ello exportables.

Por otro lado, para nadie es novedad el hecho de que existe una “cubanidad cubana[1]” que se explota mucho y que el turismo compra con gusto ya sea por los valores plásticos innegables de muchas de las piezas o por el sentimiento que despiertan ciertas obras relacionadas con el destierro y la situación de los balseros. Por lo demás, están las obras que como tarjetas postales, representan a los jugadores de dominó fumando puros, las piezas relacionadas con el baile y la música y las “fachadas” cubanas semiderruídas y descascaradas que se han tornado en un leitmotiv, en un “recuerdo de viaje” (en este sentido un reconocimiento merece el mexicano Rafael Cauduro quien en la década de los ochenta adoptó y resignificó este asunto para hacerlo parte de su notable propuesta plástica). Interesante resulta también la elección de los materiales y técnicas empleadas dado que no cuentan con la vastedad de los insumos con los que cuentan los creadores de los países desarrollados y muchas veces se las tienen que ingeniar para expresarse con objetos propios de otras disciplinas o utilizan materiales de desecho como follajes, papel, etc.[2]

Un paseo por las galerías y talleres cubanos se torna en un sondeo necesario por cuanto pueda uno encontrar propuestas interesantes ya que en esa isla hay exposiciones desde los mercados al aire libre hasta las diversas galerías y los museos, pasando por los talleres abiertos al público paseante en el centro de La Habana vieja, sin duda una modalidad “democrática” y novedosa en el terreno del mercado del arte tradicional (entiéndase de los países capitalistas, en los que el mercado se dirige a una élite privilegiada que toca las puertas de galerías cerradas o va por invitación expresa).

Mención aparte merece el museo donde se exhibe el arte cubano, dependiente del Museo Nacional de Bellas Artes, en el que se ven las propuestas más sobresalientes de la plástica nacional desde la época colonial hasta nuestros días. Este edificio de hormigón y cristal es un abrevadero indispensable si uno pretende conocer más a fondo la historia del arte de este pequeño y noble país, aunque no cuente con un acervo abundante.

2.
Como sabemos, “el nuevo arte cubano”, calificación que entre otros se le ha dado a la producción plástica surgida a partir de los años 80 en esa isla, ha venido destacándose en los diversos mercados del arte que se ocupan de la producción latinoamericana. Además de eso, la Bienal de la Habana, pensada según sus curadores para dignificar sus creaciones frente al mundo occidental y los circuitos privilegiados por los grandes coleccionistas a partir de 1984, ha logrado consolidarse como la más importante feria de arte de América Latina. En el terreno ganado a la censura, mucho hicieron las muestras Volumen Uno, Trece artistas jóvenes y Sano y Sabroso, todas en La Habana en 1981[3], además de los trabajos del grupo Puré y Arte Calle en su momento. Sin duda, hoy los artistas gozan de muchas más libertades expresivas que antes, dándose el caso de que aún los antes proscritos y/o expulsados de salones de estudio y exhibición, como Tomás Sánchez, Nelson Domínguez, Juan Francisco Elso, Gustavo Pérez Monzón o Servando Cabrera hoy se exponen como si nada, a lado del realismo social que se alentó hasta los años setenta.

Durante las dos últimas décadas del siglo XX un sinnúmero de poéticas individuales han surgido como respuesta a una necesidad imperiosa de manifestarse individualmente, coincidiendo varios creadores en soluciones propias del llamados posmodernismo como son los retomes, las citas y las combinaciones de lenguajes de las vanguardias históricas.

Así sucede con las piezas de Ángel Alonso (La Habana, 1967) y Agustín Bejarano (Camaguey, 1964). El primero con más de 20 exposiciones personales en Cuba, Estados Unidos, Alemania y Suecia, sintetizando las figuras al máximo, convirtiéndolas en símbolos más que en representaciones individualizadas, coloreándolas con tintes saturados para representar con ciertas reminiscencias del pop art, a los que deciden lanzarse al mar en llantas de trailer y a quienes se conciben solos frente a ciertas circunstancias abrumadoras.

Por su parte, Agustín Bejarano, graduado en pintura y grabado en el Instituto Superior de las Artes en La Habana, ganador de múltiples premios nacionales e internacionales, se ha abocado últimamente a los grandes formatos de sabor contenido por las tonalidades grises y tierras que emplea para sus piezas de orden filosófico no exentas de melancolía –por más que la crítica que ha abordado su trabajo quiera encontrarle visos de buen humor--. Aprovechando algunas propuestas del minimalismo, alejándose de sus series anteriores en las que saturaba los espacios con figuras, trabaja sobre bastidores redondos sin enmarcar, les aplica texturas con pastas cerámicas y luego dibuja –su obra ahora es más gráfica que pictórica-- al hombre solo que somos todos enfrentado a situaciones extremas que sin embargo no sentimos penosas o amargas ya que la intención del artista siempre va por el lado de la metáfora; jamás implica una anécdota o narra situaciones reales y no cae en el “balserismo” del que hablábamos.

Antonio Canet (Casa Blanca, 1942 , La Habana, 2008 ) se hizo conocido a partir de la década de los sesenta por sus representaciones de la ciudad con sabor costumbrista y poco a poco fue desembocando en un expresionismo abstracto colorido sin pudores, gráfico en alto nivel por su incesante labor como grabador. Hoy en día Canet es un pintor reverenciado por muchos no sólo por la calidad de su obra de tenor expresionista que en ciertos momentos recuerda a Tápies, sino por su actitud de vida exenta de poses, cumpliendo con el postulado del arte por el arte, sin interesarle el mercado de sus obras con fines de lucimiento. De este grande de la plástica cubana, a quien Lezama Lima le dedicara varias páginas de “La visualidad infinita”, libro de crítica indispensable para entender la historia del arte del país, se present ó durante el mes de marzo en Quito, Ecuador y luego en Venezuela y Chile .

En fin, que creo que más allá del análisis estético que se pueda hacer, se plantea aquí el asunto de la situación política de la isla más isla de todas porque por más que el tema principal sea el urbano, la descomposición del régimen y el trato que reciben los cubanos en el mundo –recordemos el caso de la aplicación arbitraria de la Ley Burton-Helms por los directivos de cierta cadena hotelera de capital norteamericano en México-- dejará sus huellas en las obras plásticas y es que la libertad de expresión de la que gozan hoy en día los creadores puede tener que ver también con uno de los discursos más difundidos de Fidel (diciembre 2006), en el que acepta que las cosas no marchan tan maravillosamente al interior de su gobierno: el ocaso de la dictadura tendrá, como es de esperarse de los creadores sensibles, a sus primeros cronistas. Æ

[1] Si me aventuro con los términos empleados pido perdón, se trata de la emoción del espectador emocionado ante lo cubano.
[2] No confundir en este caso con las piezas de Juan Francisco Elso y de José Bedia, quienes hicieron un “arte povera” a destiempo y fuera de la isla por gusto y no por necesidad.
[3] Cfr. “Déjame que te cuente. Antología de la crítica en los ochenta“, trabajo de Margarita González, Tania Parson y José Veigas. Artecubano Ediciones, La Habana, 2002)